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Pour qui sonne le glas Les évènements des semaines récentes ont été terrifiants : aux États-Unis, les morts des hommes noirs aux mains de la police et l’assassinat de cinq policiers à Dallas, le massacre épouvantable à Nice, le coup d’état raté en Turquie, tout sur fond de violence devenue chronique dans une grande partie du monde. Je me trouve perdue quand j’essaie de comprendre ces évènements et j’ai peur d’arriver à un point où je ne sais plus comment répondre à cette montagne de douleur. Je relis les “Devotions Upon Emergent Occasion” de John Donne, surtout la 17ème méditation, qui réfléchit à la condition humaine, notre mortalité et les liens qui nous attachent l’un à l’autre. Cette méditation profonde commence avec le son d’une cloche d’église qui marque une mort. J’ai essayé de traduire les extraits qui suivent. (Merci à Pierre-Emmanuel, qui m’a donné quelques corrections.) Peut-être sonne le glas pour celui qui pourrait souffrir tellement qu’il ne sait pas qu’il sonne pour lui, et peut-être pourrais-je me croire tellement supérieur à mon vrai état que ceux qui m’entourent et comprennent mon état l’ont fait sonner pour moi, sans que je le sache. L’église est catholique, universelle, ainsi sont toutes ses actions, tout ce qu’elle fait appartient à tous. Lorsqu’elle baptise un enfant, cette action me touche car cet enfant appartient ainsi à ce corps duquel je suis membre. Et lorsqu’elle enterre un homme, cette action me touche. Toute l’humanité est d’un seul auteur et appartient à un volume. Lorsqu’une personne meurt, on n’arrache pas un chapitre du livre, on le traduit dans une meilleure langue, et tout chapitre doit être traduite ainsi. Dieu emploie plusieurs traducteurs : certaines parties ont été traduites par l’âge, certaines par la maladie, certaines par la guerre, certaines par la justice, mais chaque traduction relève de la main de Dieu, et sa main recueillera à nouveau toutes nos feuilles dispersées dans la bibliothèque où chaque livre sera ouvert l’un à l’autre… Personne n’est une île, complète en elle-même, chaque humain est une partie du continent, une partie de la terre. Si la mer érode une motte, toute l’Europe diminue, comme si c’était tout un promontoire, un manoir de tes amis ou ton propre manoir. La mort de n’importe quelle personne me diminue car je m’implique dans l’humanité. Et par conséquent, ne demande jamais pour qui sonne le glas, il sonne pour toi.
17 lipca 2016
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II. « Antispéciste » : Un débat entre Aymeric Caron et Yann Moix Suite... Le point culminant de leur débat reste sur cette question. Aymeric Caron considère que Yann Moix rejète la réalité scientifique que nous faisons partie de la famille des grands singes et donc se révèle être « animal-sceptique », l’égal des climatosceptiques. Yann Moix, en revanche, affirme que la philosophie donne des interprétations différentes concernant le rôle des hommes dans le monde. Mais « la philosophie découle de la science », proteste l’auteur. Je trouve cette dernière observation d’Aymeric Caron étonnante. Pense-t-il qu’on est obscurantiste si on fouille cette problématique d’une position utilisant les pensées des grands philosophes qui précédaient Darwin ? Faut-il répudier toutes les explications de notre humanité qui découlent d’une compréhension avant la découverte de la théorie d’évolution ? Le cœur du problème pour moi reste ici. Du point de vue scientifique, nous faisons effectivement partie de la famille des grands singes. Mais ce constat est insuffisant. Nous sommes capables de réfléchir aux questions de moralité, aux questions de droit et d’obligation. La capacité d’Aymeric Caron à aborder ces questions le distingue des autres grands singes. J’apprécie ses efforts d’améliorer les conditions déplorables des animaux dans notre monde moderne. Il a tout à fait raison que notre système d’élevage industriel est honteux. Néanmoins, je ne suis pas convaincue que notre obligation d’améliorer ces conditions provient des droits des animaux. Je n’observe que les animaux eux-mêmes ni comprennent l’idée de droits ni la pratiquent. Je pense plutôt que le besoin de minimiser la souffrance des animaux ne découle pas de leurs droits mais de nos obligations, celles qui relèvent de notre humanité.
24 kwietnia 2016
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I. « Antispéciste » : Un débat entre Aymeric Caron et Yann Moix Dans un récent épisode du talk-show On n’est pas couché, l’ancien polémiste Aymeric Caron est revenu pour parler de son nouveau livre, « Antispéciste »: Le livre est évidemment provocateur, et le débat entre l’auteur et son adversaire Yann Moix était animé et vigoureux. Dans ce livre, Aymeric Caron remet en cause notre compréhension de la relation entre les humains et les animaux. Mais il dirait que mon résumé est imprécis. D’après lui, nous sommes tous animaux, y compris les humains, et ainsi, nous devons rejeter les suppositions qui nous rassurent que nous sommes une espèce unique. Son postulat : nous sommes tous animaux, liés par notre capacité à souffir. Il poursuit avec rigueur la logique de ce postulat, déduisant qu’il faut reconnaître notre appartenance à la communauté des animaux et, par conséquence, nous devons rejeter l’usage des animaux et leurs produits pour satisfaire nos désirs. La logique suit celle de l’expansion des droits universels aux femmes, aux transgenres, aux toutes les personnes qui en ont été dépourvues. La réponse de Yann Moix était forte. Il a attaqué précisément la prémisse du livre quand il a insisté que nous ne sommes pas des animaux. Quel est le projet d’un animal ? Quelle est sa compréhension de son histoire et de son futur? Pour Yann Moix, les hommes habitent un monde à part : un monde des idées, un monde qu’ils sont, en effet, toujours en train de réinventer. à suivre...
24 kwietnia 2016
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La crítica Pauline Kael Escuché la semana pasada una entrevista con Jean-Luc Choplin, director general del Théâtre du Chatelet en Paris. En este papel, Choplin trata de expandir el mundo de la música clasica, y desea crear un teatro que es sofisticado y a la vez popular. Para llegar a esta meta, Choplin ha lanzado en su teatro una cantidad de comedias musicales americanas. Choplin hablaba de las diferencias entre los Franceses y los Americanos, particularmente con referencia a la cultura de elite y la cultural popular. Sostiene, por ejemplo, que los Franceses participan en una experiencia cultural cuando van al cine aunque los Americanos participan en un « entertainment ». Evidentamente, Choplin concibe una buena mezcla de las dos experiencias. Su comentario me hizo pensar en Pauline Kael, la famosa crítica americana de cine, que escribó por The New Yorker durante los años seisenta y setenta. Kael estaba orgullosa de su gusto por las películas populares. Los filmes de autor no le gustaban, y se negaba a utilizar la palabra « film », que, según élla, era pretenciosa. Hablaba siempre de « movies », preferiendo la palabra más utilizada por la gente. Kael era una crítica influyente, y se puede ver el impacto de sus ideas y su estilo hoy día entre los críticos americanos. Comenzé yo mismo a leer las críticas de Kael cuando era adolescente. Sus críticas me hicieron ver que se podría escribir en un estilo completemente diferente al stilo aprendido en el liceo. Este descubrimiento era memorable y diría que Kael ha sido una influencia potente en mi vida.
27 lutego 2016
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Jean-Luc Choplin et Pauline Kael J’ai écouté la semaine passée une interview avec Jean-Luc Choplin, directeur géneral du Théâtre du Châtelet. J’ai appris que dans le cadre de ses efforts de décloisonner les arts, il a introduit à Paris un grand nombre de comédies musicales américaines. Sa marque : Faire sophistiqué et populaire. En décrivant ses efforts, Choplin parlait des différences entre les français et les américains et l’opposition entre la culture élitiste et celle du peuple. Il constate, par exemple, qu’un film pour les français est un partage d’expérience culturelle, bien que pour les américains ce soit un partage d’ « entertainment. » Il est évident que Choplin envisage un bon mélange des deux attitudes. Ses propos m’ont fait penser de Pauline Kael, la célèbre critique américaine de cinéma, qui a écrit pour « The New Yorker » pendent les années soixante et soixante-dix. Kael était fière de son goût du peuple et de son style également populaire. Elle taclait regulièrement l’idée de l’auteur, et elle louait des films que la plupart des autres critiques éplingaient. Pour elle, « trash » pourrait être un terme de louange. En plus, elle a refusé d’utiliser le mot « film » , qu’elle a considéré prétentieux. Elle parlait toujours des « movies », préférant le mot utilisé le plus souvent par les gens. Kael était une critique influente, et on continue à voir l’impact de ses idées et de son style jusqu’aujourd’hui parmi les critiques américains. J’ai commencé moi-même à lire les critiques de Kael quand j’étais adolescente. Son écriture m’a faite rendre compte pour la première fois qu’on pouvait écrire en prose complètement différente de la prose apprise au lycée. C’était une découverte mémorable et je dirais, en dépit de toutes nos différences, qu’elle était une influence puissante dans ma vie.
27 lutego 2016
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Una obra teatral de Martin McDonagh Una de las obras de teatro que vi recientemente a Londres fue una nueva obra escrita por el dramaturgo irlandés Martin McDonagh. El título, “Hangmen,” hace referencia a dos verdugos ingleses durante los años 60. El prólogo de la obra tiene lugar en 1963, justo antes de la abolición de la pena de muerte en Inglaterra, y presenciamos la ejecución de un prisionero. Él, condenado por el asesinato de una jovén, persiste hasta al final a sostener su inocencia. Después de que hemos visto esta escena perturbadora, el escanario se transforma en un pub en el norte de Inglaterra. Estamos en el año 1965, y el verdugo del prólogo es el proprietario del pub. Un desconocido entra en el pub, y consideramos la posibilidad que este hombre sea el asesinato verdadero del prólogo. La tensión crece cuando este desconocido empieza a seducir a la hija adolescente del proprietario. No quiero revelar el resto de esta comedia negra, que es llena de sorpresas.
20 stycznia 2016
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« Hangmen » par Martin McDonagh Une des pièces de théâtre que j’ai vues à Londres ce mois-ci était une nouvelle pièce par le dramaturge irlandais Martin McDonagh. Le titre, « Hangmen, » fait référence aux deux bourreaux anglais dans les années soixante. Le prologue de la pièce se déroule en 1963, juste avant l’abolition de la peine de mort en Angleterre, et nous assistons à l’exécution d’un prisonnier. Celui, condamné à mort pour le meurtre d’une jeune fille, persiste jusqu’à la fin à clamer son innocence. Après que nous voyons cette scène perturbante, la mise en scène passe directement à un pub dans le nord du pays. Nous sommes 1965, et le bourreau du prologue en est devenu le propriétaire. (On peut imaginer que l’attrait de ce pub est, en partie, le frisson d’être en companie d’un ancien bourreau.) Un étranger sinistre arrive au pub, et on considère la possibilité que cet homme est le véritable meurtrier de la jeune fille évoquée dans le prologue. La tension grandit quand cet étranger commence à séduire la fille adolescente du propriétaire. Ces actions déclenchent une intrigue qui nous déconcerte et manifeste également un humour très noir. Je résiste à dire plus de l’intrigue de peur de gâcher les surprises, qui sont nombreux et tout à fait satisfaisants.
18 stycznia 2016
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El Cuento de Invierno Estaba en Londres durante las dos primeras semanas de enero para ver unas doce obras de teatro. Mi obra favorita de este viaje estaba “El cuento de invierno” de Shakespeare, dirigida por Kenneth Branagh. Branagh el mismo representa el rey Leonte y la gran actriz Judi Dench interpreta el papel de Paulina. La obra empieza como tragedia cuando Leonte sospecha de su esposa por la infidelidad, y el público piensa en Otelo, que mata su esposa, Desdémona. Parece que Hermione, la esposa de Leonte, muere tambien. Sin embargo, Hermione no está muerta, pero se esconde con la ayuda de Paulina. Leonte hace el luto por 16 años. Al final de obra, Paulina revela Hermione a él y su sufrimiento termina.
18 stycznia 2016
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Le conte d'hiver de Shakespeare J’étais à Londres pendant les deux premières semaines de janvier pour voir une douzaine de pièces de théâtre. Une tâche agréable mais aussi fatigante ! Je voudrais essayer d’élaborer quelques pensées sur ces pièces afin de ne pas oublier les expériences les plus profondes. La première pièce que j’ai vue était « Le conte d’hiver » de Shakespeare, réalisée par Kenneth Branagh. Branagh lui-même interpréte le roi Léonte et la grande actrice Judi Dench tient le rôle crucial de Paulina. « Le conte d’hiver » est une des soi-disant romances de Shakespeare, une de ses pièces tardives qui surmontent leurs débuts tragiques par une rémission durement acquise. Contrairement aux tragédies classiques françaises, Shakespeare ne suit pas les règles traditionnelles de l’unité de temps, de lieu, et d’action, et « Le conte d’hiver » en est un exemple extrème. La pièce se déroule dans deux pays et sur seize ans. Le temps lui-même est effectivement un personnage essentiel dans la pièce. Léonte, après avoir apparemment provoqué la mort de son fils, sa fille, et sa femme, souffre les conséquences de sa jalousie et il est instruit par sa souffrance prolongée. Mais à son insu sa femme est cachée par la vieille Paulina et sa fille grandit dans le pays de Bohémia. Le dénouement de cette pièce est remarquable. Après avoir vu la souffrance de Léonte pendent seize ans, Paulina en a pitié et elle lui révèle une statue en forme de sa femme. Au fur et à mesure, la statue commence à bouger, et quand Léonte touche la main de la statue, il crit « O ! Sa main est chaude ! Si ceci est de magie, que ce soit un art aussi légitime que de manger ! » Léonte et sa femme se sont réunis et on voit que le temps n’est pas seulement la force inexorable qui saisit la jeunesse. Il est également les moyens pour gagner la sagesse qui peut donner le bonheur dans une certaine mesure à la fin de la vie.
17 stycznia 2016
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Un opéra perturbant d'Alban Berg J’ai vu récemment un opéra diffusé dans des salles du cinéma par le Metropolitan Opera. Le Met a commencé ce programme de retransmission d’opéras en direct il y a dix ans, and j’ai commencé à les voir il y a cinq ans, quand le programme est arrivé à la salle du cinéma ici dans ma petite ville. Chaque année le Met présente environ douze opéras en direct et en HD, et j’essaie d’en voir la plupart. Lulu, par Alban Berg, pourrait revendiquer son droit d’être considéré le plus grand opéra du vingtième siècle, mais l’oeuvre, composé dans le style dodécaphonique, n’est pas facile à aimer. Le dodécaphonisme traite tous les douze notes d’une gamme chromatique plus ou moins égales. Donc cette musique évite la tonalité familière et l’harmonie classique. Berg, adepte de Schoenberg, a utilisé ce style en créant des séries pour chaque personnage de l’opéra. Je suis sûre qu’on pourrait comprendre ces séries, un peu comme les leitmotivs de Wagner, mais je pense qu’une compréhension acceptable exigerait une étude détailée. Moi, je trouve que l’architecture de cette musique défie mes efforts à la comprendre et elle me reste impénetrable. Alors, la musique est difficile. Et l’intrigue? Quelle histoire déprimante! Il s’agit d’une femme fatale dont les trois premiers maris sont morts au cours de l’opéra (le troisième fusillé par Lulu elle-même) et le quatrième souffre de la syphilis. À la fin, Lulu, devenue prostituée, est tuée par Jack l’Éventeur. (J’omets le meurtre de la comtesse von Geschwitz, une autre amante de Lulu.) Mais en dépit de tout ce que j’ai écrit, j’ai trouvé ce spectacle captivant. La chanteuse Marlis Petersen, qui a joué Lulu pendent 18 ans, était sidérante en habitant le rôle de cette femme fatale complexe. Le metteur en scène, l’artiste William Kentridge, a choisi de projeter les images perturbantes sur un écran derrière les chanteurs tout au long de l’opéra. Ces images, faites en encre dans un style expressioniste, étaient aussi choquantes que la musique et l’intrigue. Un spectacle obsédant? Absolument! Mais l’expérience était une immersion dans un vrai oeuvre magistrale.
17 grudnia 2015
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